「これは芸術か？」— ニューヨークMoMAのマルセル・デュシャン回顧展が投げかける根源的な問い

芸術の概念を覆した「レディメイド」の衝撃

ニューヨーク近代美術館（MoMA）で、半世紀以上ぶりとなるマルセル・デュシャン（1887-1968）の大規模な回顧展が開催されている。彼の名前を聞いて多くの人が思い浮かべるのは、おそらく男性用小便器に「R. Mutt 1917」と署名し、「泉」と題した作品だろう。あるいは、レオナルド・ダ・ヴィンチの「モナ・リザ」の複製にちょび髭を書き加えた「L.H.O.O.Q.」かもしれない。これらの作品は、発表当時から今日に至るまで、鑑賞者に「しかし、これは芸術なのか？」という根源的な問いを突きつけてきた。この問いこそが、デュシャンの芸術的探求の核心であった。

デュシャンが美術史に刻んだ最も革命的な功績は、「レディメイド（readymade）」という概念の発明である。これは、自転車の車輪や瓶乾燥機、櫛といった大量生産された既製品を、アーティストが「選択」し、新たなタイトルを与えることで芸術作品へと昇華させる試みだ。デュシャン自身が語ったように、その選択は「視覚的な無関心」に基づき、「良い趣味も悪い趣味も完全に欠如」していることが重要だった。つまり、作品の価値は、作家の技術や美的センス、手仕事の痕跡にあるのではなく、「これは芸術である」と宣言するアーティストの思考そのものにある、という大胆なパラダイムシフトを提示したのである。これは、ルネサンス以来、何世紀にもわたって西洋美術の根幹をなしてきた「美の創造」や「職人芸」といった価値観を根底から覆す、まさに知的な爆弾であった。

画家から思想家へ：MoMAが示すデュシャンの軌跡

今回のMoMAの展覧会は、年代順の構成を取ることで、デュシャンがどのようにしてこの革命的な思想に至ったのかを丁寧に解き明かしている。展示の冒頭を飾るのは、印象派やセザンヌ、マティスの影響が色濃い、彼の青年期の絵画作品だ。ノルマンディーの風景を描いた水彩画や、父親の肖像画などからは、彼が伝統的な絵画技術を十分に習得していたことが見て取れる。しかし、パリの芸術の中心地に移ると、彼はすぐさまキュビスムなどの最先端の動向を吸収し、独自の表現を模索し始める。

その転換点として象徴的なのが、1912年の「階段を降りる裸体 No.2」である。キュビスムの多角的視点に、映画のような連続写真の要素を取り入れ、一つの画面に時間の経過と動きを描き込もうとしたこの作品は、パリのサロンで展示を拒否されるほどのスキャンダルを巻き起こした。しかし翌年、ニューヨークのアーモリーショーに出品されると、賛否両論の嵐の中でデュシャンは一躍時の人となる。だが、彼は絵画というメディアの限界を早々に見抜き、30歳を過ぎた1918年にはほとんど絵筆を折ってしまう。彼の関心は、網膜を喜ばせる「網膜的」な芸術から、思考を刺激する「観念的」な芸術へと完全に移行していた。MoMAの展示は、この画家から思想家への劇的な変貌の過程を、作品を通じて雄弁に物語っている。

オリジナリティと作家性の解体

デュシャンの破壊的な試みは、「レディメイド」にとどまらない。彼は「オリジナル」という概念そのものにも揺さぶりをかけた。「泉」のオリジナルは失われたが、彼は後に複数のレプリカの制作を許可・監修した。これは、一点物のオリジナル作品を神聖視する従来の美術市場の価値観に対する明確な挑戦であった。作品の価値は、物理的な「モノ」としての唯一性にあるのではなく、その背後にある「アイデア」にあるという彼の信念の表れである。

さらに彼は、自身を女性に見立てた「ローズ・セラヴィ（Rrose Sélavy）」という別人格（アルター・エゴ）を創造し、その名で作品を発表した。マン・レイが撮影した、デュシャンが女装したポートレートは有名だ。これはフランス語の「Eros, c'est la vie（エロス、それこそが人生だ）」のもじりであり、作家の自己同一性やジェンダーをも遊びの対象とする、極めて先進的な試みであった。芸術家は唯一無二の天才である、というロマン主義的な作家像を自ら解体し、芸術の権威を軽やかに笑い飛ばしたのである。晩年、彼は「芸術家を引退し、チェスプレイヤーに専念する」と公言したが、その裏で20年もの歳月をかけて秘密裏に大作「（1）落下する水、（2）照明用ガス、が与えられたとせよ」を制作していた。彼の人生そのものが、芸術と非芸術の境界線を曖昧にする壮大なパフォーマンスであったと言えるだろう。